Contenu du sommaire : Danser

La « danse grecque antique » évoque en général des images de chœurs imposants et de festivités dionysiaques, ou encore d'Isadora Duncan dansant au milieu des ruines de l'Acropole. Dans cet article, j'étudie une figure peu connue de la danseuse de l'Antiquité : l'orchestris, ou danseuse de banquet. De ces femmes, marginalisées par leur genre et leur classe, il ne demeure que des traces éparses dans la littérature et les vestiges matériels. En réunissant ces traces, cet article met en lumière la place de la danseuse de banquet dans l'imaginaire culturel grec. Il montre ensuite que l'exploration fictionnelle de la subjectivité des femmes dans le dialogue III des Dialogues des courtisanes de Lucien doit nous inciter à réfléchir à la façon dont le mouvement et l'incarnation ont pu constituer – à toutes les époques – des sources essentielles, bien qu'à jamais hors de notre portée, de la capacité d'agir des orchestrides.

Le présent article explore la reconversion professionnelle de Marie Taglioni, vedette du ballet romantique de la Monarchie de Juillet devenue pédagogue et chorégraphe à l'Opéra de Paris sous le Second Empire. L'examen des sources montre le rôle joué par ses parents dans sa formation à la composition chorégraphique dans un contexte de féminisation de la danse théâtrale professionnelle à l'échelle de l'Europe occidentale. Si la composition féminine demeure l'objet de fortes censures, Marie Taglioni parvient à tisser un réseau professionnel favorable à sa promotion au rang de chorégraphe. Son essai de reconversion, après la composition des ballets Le Papillon (1860) et Zara (1862), se heurte cependant à des normes de genre qui assignent les femmes à l'interprétation des œuvres et les excluent de l'accession à l'emploi de maître de ballet.

Cet article s'intéresse aux gestes performatifs et aux pas de danse à travers lesquels les femmes colonisées de la bourgeoisie négocièrent les tensions profondes entre le patriarcat indien et la domination coloniale au Bengale (en Inde) à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. La première partie examine la contribution du Prix Nobel de poésie, Rabindranath Tagore (1861-1941), au développement de la danse au Bengale et replace sa pratique de danse au sein d'une discussion plus large sur le genre et le nationalisme indien. La seconde partie explore l'intérêt de Tagore pour la mise-en-scène du genre et la décolonisation de la scène indienne à travers l'étude de ses lettres de voyage en Asie du Sud-Est. La troisième partie déplace le regard au-delà de l'idée d'auteur célèbre qui influence la plupart des écrits sur Tagore – poète et romancier, reconnu internationalement, notamment pour ses spectacles mettant les femmes au centre de la scène. À la place, cet article privilégie une lecture donnant à voir le travail et l'écriture sur la danse de sa belle-fille, Pratima Devi. Cette dernière conçut, supervisa, et travailla sur beaucoup des œuvres dramatiques et dansées de Tagore au Bengale, renversant ainsi beaucoup des normes qui étaient imposées par un nationalisme indien patriarcal sur les femmes issues de la bourgeoisie. Ainsi, cette étude incite à comprendre les relations entre le travail du corps des femmes dans et hors de la scène colonisée de la danse du xx e siècle bengali.

Le premier cycle de diffusion internationale du tango, dans les années immédiatement antérieures à la Grande Guerre, a eu Paris pour épicentre et les milieux aristocratiques et mondains de la capitale française comme lieu privilégié et premier d'inscription sociale. Un fort engouement pour la « nouvelle danse » s'ensuivit, ce qu'on appelle à l'époque « tangomanie » s'installa et, avec elle, sont nées des polémiques opposant partisans et adversaires d'une danse venue d'ailleurs et aux accents sexuels troubles. C'est ainsi en tout cas qu'elle est perçue, au croisement de deux axes de réception principaux : érotisme et exotisme. Or ils sont étroitement liés. On en examinera les figures et leurs interactions dans la construction d'une image publique du tango promise à une réappropriation au-delà du seul contexte parisien et à une longue postérité qui se prolonge, à certains égards, jusqu'à aujourd'hui.

À travers une lecture de la presse périodique comportant des perspectives religieuses diverses, ainsi que des sources et archives diplomatiques, cet article pose la question de l'émergence de la pratique de danse de couple européenne à Téhéran dans la première moitié du xx e siècle. Notre enquête révèle l'existence d'une anxiété nationaliste autour du problème des relations de genre lié à la présence du corps militaire des Alliés qui ont su infiltrer le milieu urbain et la vie sociale iranienne notamment par la pratique de la danse. Par un examen critique des discours sur la performance du genre incorporée par ces pratiques « modernes » de danse de couple a Téhéran, on observe l'importance des liens établis entre la sociabilité du corps dansant, l'érotisme (shahvat), la nudité, la pratique de la prostitution, et la notion d'une modernité « imitée ». En contextualisant la réception de ces danses vis-à-vis de la scène politique iranienne de l'époque on remarque que chacun de ces éléments a servi à l'élaboration d'un discours nationaliste sur les danses de couple qui seront construites et vues par les contemporains comme complices avec des phénomènes du colonialisme et de l'impérialisme menaçant l'esprit de l'Iran et de l'Islam.

Dans les cours italiennes du XVe siècle, la danse et le combat, essentiels dans l'éducation du noble, participent à la définition de la place et du comportement des femmes et des hommes. Les maîtres à danser du Quattrocento, construisent et définissent la théorie et la pratique d'une danse savante et produisent un discours conforme à des normes politiques, sociales et genrées. Guillaume le Juif, définit précisément le rôle et la place de la femme qui danse. Antonio Corazzino, également homme d'armes, poète et humaniste, exprime une vision de la bienséance, qui participe d'une conception plus générale des rôles attribués au genre. Les valeurs viriles assument une prééminence évidente dans l'évolution de la vie des cours. Les techniques du corps incarnent une réalité et un discours politique. Dans l'ensemble de son œuvre, le masculin et le féminin s'incarnent notamment dans les modèles de Mars et de Vénus, les deux faces de la Concordia discors, dans la femme qui danse et l'homme qui combat.

Les parcours migratoires placent les familles migrantes, qui traversent la Méditerranée, face à des enjeux nouveaux de transmission de gestes et de discours en fonction de stratégies identitaires aussi diverses que mouvantes. Ces familles, qui refont le voyage sans cesse entre les deux rives, s'attachent à faire le pont entre deux espaces, à faire voyager des idées, des gestes, des mots, des objets, des danses. C'est à ces dernières, accompagnées de chants et de musiques, gestes et sonorités de mémoire, qui marquent le lien ou la séparation, que je m'intéresse. À partir d'un questionnement sur l'élaboration, la rencontre, mais aussi la remise en cause des identités genrées à travers l'apprentissage et la mise en œuvre des danses migrantes berbères ahidous, je me demande dans quelle mesure on peut proposer une approche diachronique et dialogique des mouvements de danses partagées au féminin et au masculin, qui font le voyage avec les migrants et qui sont les supports de l'expression d'une loyauté vis-à-vis du pays d'origine, d'une légitimité passant au travers des liens revendiqués, ou bien encore d'une position en marge des usages convenus au moment du départ en lien avec un contexte de vie différent, saisi de nouveaux modèles esthétiques.

L'histoire de la jeune Salomé charmant par sa danse le roi Hérode et obtenant de lui la tête de Jean Baptiste a été souvent représentée dans l'art italien de la Renaissance. La confrontation de quelques images des XIVe et XVe siècles avec un texte de Francesco da Barberino au XIVe siècle veut éclairer l'évolution du regard jeté sur la danseuse et sur la danse en cette extrême fin du Moyen Âge, qui nuance les violentes condamnations cléricales des périodes précédentes.

Cette contribution analyse les déclinaisons du thème iconographique de la parabole des dix vierges dans des estampes produites entre les XVIe et XVIIe siècles aux Pays-Bas. Issues d'un processus culturel complexe de production et réception, ces artefacts culturels constituent un exemple significatif de la mise en œuvre d'un discours moralisateur de nature confessionnelle au service de la transformation du système de valeurs d'une population urbaine caractérisée par des changements significatifs dans les structures économiques et sociales de la modernité, dans lesquelles les hommes et les femmes ne cessent de négocier leurs relations et leurs rôles sociaux. L'opposition symbolique entre l'image positive des femmes qui travaillent et celle négative des femmes qui dansent qui émerge de l'analyse, permet d'éclairer la complexité de l'articulation entre les représentations sociales de la danse et du genre que cette opposition implique et produit.

En opérant plusieurs décalages de la focale d'observation (du seul MLF à la diversité des mobilisations féministes, de Paris à d'autres villes, de la théorie à la pratique), cet article propose une analyse sociohistorique des pratiques militantes de la mixité et de la non-mixité féministes dans les années 1968. Cette perspective permet de montrer que loin d'être une évidence pratiquée et partagée par toutes dès les premiers instants du mouvement, la non-mixité se construit progressivement comme une norme : après une période d'acclimatation et d'apprentissage (1970-1975), elle s'impose et se généralise, au gré des expériences militantes, dans la deuxième moitié de la décennie 1970. En replaçant les pratiques au cœur de l'analyse, cet article invite ainsi à comprendre le processus historique de construction de la non-mixité en symbole des féminismes des années 1968.

L'annonce à Rome de la défaite de l'armée romaine face à Hannibal au lac Trasimène (217 av. J.-C.) déclenche une forte émotion collective. Un passage de l'épopée des Punica de Silius Italicus, un auteur de la fin du i er siècle, rapporte notamment cet épisode. Le personnage de Marcia, incarnation de l'idéal de la matrone romaine, évoque la mémoire de son défunt époux, le héros de la première guerre punique, Régulus. Elle tient un rôle de médiatrice et permet, par son deuil, de transformer la « mort tragique » de Régulus en souvenir apaisé. Par le deuil collectif des soldats morts sur le champ de bataille, la société romaine reconnaît aux matrones une fonction « politique » : celle d'expulser, par leurs pleurs et leurs lamentations, la mort et l'émotion de la cité et d'assurer la transmission du souvenir des disparus, gage de la pérennité de la cité.