Contenu du sommaire : Seul(e) dans la nature ?

Cet article décrit trois thèmes reliés au concept nordique de solitude heureuse et choisie. Le premier est le besoin d'un espace personnel et du temps associé au désir de construire une relation avec la nature nordique. Le deuxième est l'idée d'indépendance et d'autonomie qui est souvent connectée à une suspicion de toute forme redevance sociale somme signe potentiel de faiblesse et de limitation de la liberté personnelle. Troisièmement, l'article soulève la question de solitude imposée ou négative comme un défi des sociétés nordiques. En faisant appel à la théorie d'individualisme étatique (Trädgårdh), l'analyse explore les connexions entre la solitude heureuse et désirée et la solitude subie typiques aux sociétés Nordiques.

À partir de la lecture des Discours de 1847 et de 1849 sur le lis des champs et l'oiseau du ciel ainsi que d'extraits des Journaux et Cahiers de Notes courant de 1835 à 1854, l'article entend préciser le rapport que Søren Kierkegaard conçoit entre l'individu et la nature. Si la nature est parfois décrite avec un certain lyrisme, le propos de Kierkegaard s'éloigne toutefois des penseurs romantiques : la nature en effet n'est comprise qu'à partir d'un rapport intérieur et premier à Dieu, qui doit faire voir, dans le silence et la solitude, ce monde du vivant traversé par l'obéissance et la nécessité. À cet égard, c'est le discours de l'Évangile – qui s'oppose au discours du poète, à celui du physicien et, plus généralement, à la parole trop souvent vaine et bavarde de l'être humain – qui aide l'individu à entendre la nature et l'accord divin qu'elle recèle. La nature se révèle ainsi au sein d'un rapport dialectique entre le silence et la parole, la solitude et l'altérité, comme le lieu d'une possible constitution de soi devant Dieu.

Le célèbre conteur danois Hans Christian Andersen place souvent son héros solitaire au sein d'une nature qui diffère profondément de la vision qu'en offrait la tradition des contes, notamment celle de ses prédécesseurs européens Charles Perrault et les frères Grimm. Chez Andersen, la nature et la solitude n'apparaissent nullement comme des épreuves, mais bien comme un refuge espéré, un asile où seuls les enfants, dépouillés de tout artifice peuvent pénétrer.

L'article explore le pouvoir symbolique de la solitude et de la féminité nordique dans la littérature féministe espagnole. Il met en lumière la manière dont les représentations des femmes du nord ont transcendé de simples symboles de liberté individuelle, reflétant également la vision de l'Europe du nord comme source de féminité renouvelée. Cependant, dans le contexte espagnol, où le féminisme était associé à des valeurs liées à la maternité, cette figure féminine indépendante du nord était chargée des aspects nuisibles de la solitude. L'étude rassemble les œuvres de Carmen de Burgos, Elena Fortún et Federica Montseny, toutes impliquées dans des mouvements féministes couvrant diverses idéologies. Leurs portraits d'une figure féminine solitaire et destructive, portant des traits nordiques prononcés, construisent une image de la féminité à la fois captivante et périlleuse. À travers ces explorations littéraires, l'article souligne la dynamique complexe de l'époque entre le féminisme, l'identité et la relation compliquée de l'Espagne avec la blancheur européenne.

En se concentrant sur les pratiques de trois auteurs-marcheurs, Arne Næss, Tomas Espedal et Erling Kagge, cet article explore le paradoxe d'une Norvège moderne, à la cadence rapide et axée sur le progrès, qui valorise pourtant la marche et les activités de plein air pour leur intérêt en matière de santé publique. Ces trois auteurs utilisent la marche pour lutter contre l'accélération à l'œuvre sur le territoire norvégien et pour revendiquer une forme de lenteur et d'isolement rendue possible par ce moyen de déplacement anti-moderne. Empreinte de nostalgie et défendant la qualité d'un face à face authentique avec l'environnement, la marche leur permet d'enrichir leur Merkwelt, ou monde perceptif, et de s'extraire, temporairement, de la modernité pour embrasser sensoriellement la toile du vivant.

Le retrait hors de la ville dans un environnement nature paisible est un thème souvent abordé dans l'art et la littérature des pays nordiques. Il s'accompagne fréquemment de la recherche d'une solitude volontaire considérée comme l'antidote authentique au stress, à l'aliénation et à la corruption associés à la vie urbaine moderne. L'isolement reste cependant un défi majeur des sociétés des pays nordiques. L'article analyse cette problématique dans le film L'Année du lièvre (Jäniksen vuosi, 1977) du réalisateur finlandais Risto Jarva, figure de proue de la nouvelle vague de son pays qui a adapté sur l'écran le roman à succès d'Arto Paasilinna connu en France sous le titre Le lièvre de Vatanen.

Mon article étudie la solitude et le sisu, et leur relation avec les normes culturellement construites du genre et le non-humain dans le roman éco-philosophique Pienen hauen pyydystys (2019 ; Summer Fishing in Lapland, 2023, La pêche au petit brochet, 2021) de Juhani Karila. Mon objectif est de démontrer qu'une approche culturellement sensible des émotions littéraires et des humeurs incarnées peut servir d'outil méthodologique pour l'analyse d'émotions incarnées et spatialement situées, tant dans leur description que dans l'expérience du lecteur. J'accorde une attention particulière à l'utilisation humoristique des conventions associées au genre du Nordic Noir et du « Finnish weird » dans le roman de Karila. Je soutiens qu'en combinant l'atmosphère sombre du Nordic Noir avec le monde panthéiste du folklore finno-ougrien, lequel est présenté de façon humoristique, ainsi que la mythologie de la Laponie, Karila invite ses lecteurs à ressentir et à s'émerveiller devant les plus petites créatures de la nature. L'effet d'émerveillement est obtenu, d'abord, en établissant des comparaisons entre animaux humains et non humains, puis en présentant côte-à-côte des animaux et des forêts en voie de disparition et des créatures imaginaires fantastiques. Le roman montre de manière corporelle les réserves limitées d'énergie ou de sisu (c'est-à-dire « instinct » ou « courage ») dans la chair et le sang d'individus qui tentent d'apprivoiser et de contrôler la nature au lieu de coopérer avec elle.

Le poème épique Aniara a été publié en 1956 par Harry Martinson. Son adaptation cinématographique en 2018 par Pella Kågerman et Hugo Lilja a contribué à la redécouverte de l'œuvre originale et a permis de nouvelles interprétations. Aniara raconte le long et pénible voyage du vaisseau spatial éponyme, qui aurait dû emporter des milliers de personnes loin de la Terre pendant « un temps calme, de repos et de quarantaine ». Un dysfonctionnement fait dévier Aniara de sa trajectoire et laisse le vaisseau spatial errer vers les limites de l'espace vide de la nature et de l'expérience humaine. Alors que le poème épique, écrit à l'époque de tension de la Guerre froide, invoquait les « radiations toxiques » comme raison de l'exil de la Terre, la version cinématographique se concentre sur les conséquences du changement climatique. Seuls et privés de direction, dans le vide d'une hostile contre nature, les humains errent sans racines. Spectrales images de l'environnement revient dans les représentations séduisantes diffusées par Mima – la machine de contrôle du vaisseau spatial, qui offre une consolation et une éphémère nostalgie d'une unité perdue. Le but de cet article est d'étudier plus en profondeur les conséquences du lien rompu entre les humains et la nature à Aniara et de proposer une lecture écocritique et posthumaniste des œuvres de Martinson et Kågerman/Lilja comme une représentation de l'humanité comme forme particulière d'exobiologie solitaire à la dérive dans la muette (techno)sphère.

Cet article porte sur les deux installations in situ de Heini Aho, A Poem by a Plumber (2021) et Thirsty Giant (2017), qui permettent aux forces naturelles, telles que le vent, le soleil et la pluie, de devenir les cocréateurs des œuvres d'art. Les deux installations sont situées dans des endroits relativement éloignés où des dialogues créatifs peuvent émerger avec les forces naturelles et les environnements physiques donnés. L'artiste a intentionnellement créé ce que l'on peut appeler des structures semi-stables pour les deux œuvres afin de rendre visible et sensible non seulement l'action des forces naturelles mais aussi la manière dont les agences humaines et non humaines sont créativement entrelacées dans des relations réciproques. Chaque installation se déploie de manière ouverte et autopoïétique (auto-créative) tout en s'entrelaçant avec l'environnement dans une connexion sympoïétique (co-créative). Au lieu de s'opposer mutuellement, je comprends l'autopoïèse et le sympoïèse comme l'avant-plan et l'arrière-plan d'un même événement. Pour souligner cette imbrication, j'utilise le terme combiné “auto-sym-poiesis” et j'étudie les œuvres d'Aho de ce point de vue. Je soutiens que les agences de la nature et de l'art ne sont pas isolées mais plutôt entrelacées de manière créative dans un processus indéterminé de relationnalité qui se déploie continuellement.

Dans les manuels de grammaire traditionnelle, le norvégien est décrit comme un système à trois genres morphologiques : le masculin, le féminin, et le neutre. Nous nous proposons d'approfondir l'étude du genre grammatical féminin à travers l'exemple des métropoles d'Oslo, de Trondheim et de Tromsø. Le marquage du féminin ne s'opère plus uniquement par l'article ei et la flexion -a notamment parmi les jeunes locuteurs, qui recourent à une alternance avec le masculin. Cette variation individuelle et géographique semble prendre de l'ampleur ces dernières décennies et les raisons d'origine sociolinguistique pointent vers une métropolisation des pratiques impulsée par le dialecte de l'ouest de la capitale norvégienne. Avec cette nouvelle redistribution morphologique, nous plaidons pour une approche sociolinguistique de la grammaire, à la fois pour les locuteurs natifs, mais surtout pour les apprenants du norvégien. Ainsi, une grammaire tenant compte d'un changement synchronique permettrait une meilleure appréhension de la diversité dialectale et sociolectale du norvégien, qui lui confère sa si grande richesse.