Contenu du sommaire : Repenser les représentations du genre à travers les costumes et la mode : entre ponts et fractures disciplinaires

Figure majeure de la pornographie gaie française, Jean-Daniel Cadinot réalise en 1986 Le Voyage à Venise, une œuvre qui se démarque de celles de ses contemporains français par la sophistication de ses mises en scène. Cet article réévalue la portée scénographique du costume pour démontrer que l'appareil vestimentaire constitue un moteur narratif déterminant de la progression de l'action sexuelle et du récit. Dans le contexte du renouveau du carnaval vénitien des années 1980, la mobilisation des archétypes de la commedia dell'arte opère comme un dispositif de métamorphose, autorisant la reconfiguration des identités sexuelles. L'analyse des conditions artisanales de production du film et de sa matérialité révèle par ailleurs une tension féconde entre l'artificialité du décor et le « réalisme amateur » du jeu des performeurs. Enfin, l'analyse des costumes liés aux scènes d'orgie révèle l'emploi par Cadinot d'une iconographie spécifiquement libertine, à laquelle le cadre vénitien se prête allègrement. Cet article illustre l'intérêt d'étudier le costume dans un contexte pornographique en mettant au jour les intentions d'un auteur quant à la construction du genre, de la sexualité, ainsi que d'une certaine histoire de l'homosexualité.

Dans le contexte d'une revendication de plus en plus importante à aligner le genre des acteur·ices avec celui de leur personnage, cet article cherche à comparer différentes performances de la féminité, selon que l'interprète soit un homme cisgenre ou une femme transgenre. À partir de l'exemple des personnages transféminins du cinéma français contemporain, il s'agit de montrer les différences de vêtements et de discours tenu sur la transféminité en fonction du genre de l'interprète. En se basant sur une compréhension de l'hyperféminité dérivée de la notion d'hypertextualité chez Gérard Genette, l'article tend à démontrer que le stéréotype selon lequel les femmes transgenres seraient des personnes à l'hyperféminité caricaturale et entièrement artificielle est avant tout soutenu par les représentations où le personnage transgenre est joué par un acteur cisgenre.

Nous nous proposons d'étudier comment la série The Marvelous Mrs. Maisel (La Fabuleuse Mme Maisel, Amazon Prime Video, 2017-2023) s'empare des enjeux liés aux costumes et à la mode pour mettre en scène le parcours émancipateur d'une jeune New-Yorkaise qui, à la fin des années 1950 et au début des années 1960, décide de devenir humoriste de stand-up, alors même qu'elle est en train de divorcer. Au sein d'une société étasunienne encore très corsetée, dans tous les sens du terme, où la ségrégation raciale est active, l'homosexualité criminalisée et les rôles genrés rigidement établis, le personnage de Miriam Maisel choisit de résister par l'humour et le rire et d'emprunter une autre voie que celle qui lui était promise. Son jeu avec la mode et les vêtements, porteurs de signes riches et parfois contradictoires, nous en dit ainsi beaucoup sur sa métamorphose personnelle.

En 2013, le cinéaste britannique Jonathan Glazer distribue la star hollywoodienne Scarlett Johansson dans le rôle d'une extraterrestre mangeuse d'hommes perdue en pleine Écosse dans son troisième long-métrage, Under the Skin. Cet article montre que le travail sur les costumes participe de la déconstruction de l'image de la star à trois niveaux complémentaires. De manière classique, le costume est d'abord envisagé comme artifice garant de l'illusion naturaliste, ce que redouble la mise en abyme produite par le dispositif de tournage du film : il constitue à la fois le déguisement qui permet à l'extraterrestre de se fondre parmi la foule humaine et celui qui autorise la star filmée en caméra cachée à déambuler incognito dans les rues, les magasins et les boîtes de nuit de Glasgow. Le costume et le maquillage assurent en outre une fonction de marqueur du genre, exagérant la dimension d'ultra-féminité et de carnalité attachée à la persona de Johansson depuis le début des années 2000 pour en proposer un renversement critique. Ils procèdent en effet comme un leurre, permettant à l'alien prédatrice de se faire passer pour une proie désirable, passive et disponible auprès de ses victimes ; ce faisant, ils réactualisent l'archétype de la femme fatale associé à Johansson tout en désignant sa sensualité comme une performance et un simulacre. Le costume offre enfin l'occasion d'une réflexion ontologique sur les rapports entre star et personnage filmique, le corps et la persona de la star venant littéralement habiller une figure qui serait sans eux nue et informe.

Cet article propose d'étudier la circulation de l'image de Tilda Swinton entre rôles cinématographiques, mode et collaborations publicitaires, par le prisme du genre. Privilégiant l'apparence stylisée par le costume et le maquillage à un jeu exprimant l'intériorité, l'actrice explore diverses modalités de représentation d'une héroïne féminine par une approche qu'on peut appréhender comme conceptuelle. Dans son remaniement affirmé des codes, la star pourrait revendiquer l'artificialité du genre comme une construction, révélant son artificialité et s'inscrivant dans une performance réflexive et revendicatrice, semant le trouble dans les normes. Tout en relevant la singularité du parcours de Swinton, ce texte s'interroge sur sa capacité subversive comme médiatrice des rôles genrés et souligne les contradictions idéologiques provoquées par la porosité des espaces de représentations médiatiques (cinéma, mode et publicité).

À l'heure où les marques de luxe investissent massivement les plateformes numériques, les fashion films deviennent des supports stratégiques mêlant esthétique auteuriste et communication de marque. Cet article propose d'analyser la réception de l'un de ces objets hybrides – Ouverture of Something That Never Ended (2020), mini-série réalisée par Alessandro Michele et Gus Van Sant pour Gucci – à partir d'une enquête qualitative menée auprès de 47 étudiant·es en école de commerce et marketing du luxe. Mobilisant les outils des Cultural Studies et des études de genre, l'analyse articule une étude des représentations du film avec les données recueillies via deux focus groups et un questionnaire. Les résultats montrent que, malgré une intention explicite de proposer une réflexion queer sur le genre, le film est perçu comme un objet difficile d'accès, esthétisant et déconnecté des cadres interprétatifs des enquêté·es. Le message idéologique est identifié, mais rarement approprié : il suscite des formes de réception fragmentées, ambivalentes ou négociées. Le vêtement, pourtant central dans la mise en scène du genre, reste largement perçu comme signe de marque, plus que comme vecteur narratif ou symbolique. Cette étude interroge ainsi les conditions de lisibilité et d'engagement des publics face à des productions culturelles de marques, dans un contexte d'économie de l'attention et de saturation médiatique.

Depuis l'essor du numérique, le fashion film s'est imposé comme un objet hybride, oscillant entre langage artistique et outil promotionnel. Plus qu'un simple support visuel, il devient un espace où les normes, telles que celles de genre, construisent et se déconstruisent, au croisement des innovations formelles, des stratégies commerciales et des dynamiques médiatiques. Dans cet entretien, Nick Rees-Roberts, professeur en sciences de l'information et de la communication à la Sorbonne Nouvelle, interroge la place du fashion film dans la fabrique contemporaine des identités et invite à une approche pluridisciplinaire pour saisir les tensions entre esthétique, logique marketing et transformations des industries créatives à l'ère de la plateformisation. Alors que les marques investissent massivement la production audiovisuelle, cette discussion explore les rapports de force qui façonnent les imaginaires visuels contemporains et les discours sur l'inclusivité.

Cet article analyse les représentations du corps et de la sexualité du personnage principal (Ada) de la télésérie québécoise M'entends-tu ? (saison 1, 2019), une femme en situation de pauvreté. À partir d'une analyse de discours thématique, il cherche à comprendre quel sens peut être attribué à ces représentations dans le contexte du mouvement #MoiAussi, qui dénonce le contrôle du corps et de la sexualité des femmes. En mobilisant des approches critiques de la sexualité, et spécifiquement la notion de corps « abjects » de Fahs et McClelland (2016), je suggère que les revendications du mouvement #MoiAussi peuvent exclure les corps abjects, qui contreviennent aux attentes normatives liées au genre et à la sexualité (principalement en brouillant les rôles de passivité et d'activité par la sexualité et la violence).