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Cet article étudie la réception de l'art islamique, et en particulier persan, dans l'Angleterre du dix-neuvième siècle. Si l'Orientalisme a souvent été abordé dans ses formes d'expression idéologiques, littéraires, ou picturales, ses manifestations à travers la culture matérielle en revanche ont moins retenu l'attention — du moins jusqu'aux développements les plus récents de l'historiographie et de la recherche muséographique, qui commencent à retracer les premières étapes de la constitution de vastes collections nationales d'art oriental. Cet article poursuit les mêmes interrogations mais en se concentrant sur les collections privées, qui nous en disent sans doute plus sur les motivations et les goûts individuels, la logique d'acquisition des objets, et les petits cercles d'amateurs dans lesquels s'échangeaient idées et œuvres d'art. L'article passe en revue certaines des difficultés méthodologiques d'une telle recherche, avant de présenter une typologie générale des divers « profils » de collectionneurs d'art islamique, depuis les « connaisseurs » les plus en vue jusqu'aux amateurs plus modestes, possédant seulement quelques beaux objets, mais dont les « histoires connectées » permettent de recréer certains des réseaux artistiques et sociaux dans lesquels se diffusa le goût oriental. Un événement particulier, la première exposition d'« art arabe et persan » organisée à Londres en 1885, sert à illustrer tout le parti qui peut être tiré d'une telle approche.

Engagés dans une démarche de fidélité à l'actualité, l'une des principales ambitions de la presse illustrée victorienne, The Graphic (1869-1932) et The Illustrated London News (1842-2003) ont consacré une part significative de leurs publications à la représentation de la pauvreté urbaine. À l'heure où les débats autour de l'extension du suffrage font affleurer les tensions entre pouvoir bourgeois et montée de la classe ouvrière, c'est en termes d'identités sociales et culturelles que se définit la citoyenneté britannique, objet d'un discours clivé dans l'ensemble de la classe politique.À travers une sélection d'illustrations publiées entre le milieu des années 1860 et la fin de la décennie suivante, le présent article s'attache à analyser la façon dont ces partis pris ont trouvé voix dans les pages de l'Illustrated London News et du Graphic, soulignant une forme de contradiction entre l'objectif affiché par ces journaux, celui d'un réalisme presque photographique, et les images produites. Élaborées au prisme de filtres artistiques et satiriques et reproduites en fonction de contraintes techniques lourdes, ces représentations ont contribué à établir une distinction entre pauvreté « respectable » et déchéance sociale. En traçant une ligne de partage littérale entre dignité et indignité, ces périodiques se sont fait le relais d'un discours visuel rassurant et largement partagé quant à l'avenir de la nation britannique.

Le Royaume-Uni est souvent envisagé d'un point de vue anglo-centrique qui relègue l'Écosse à la marge du pays, tant d'un point de vue géographique que linguistique. Pour cette raison sans doute, la notion de lieu occupe une place prépondérante dans la littérature écossaise. Cet article se penche donc sur la façon dont cette notion de lieu — et la notion corrélative d'espace — structurent le roman de George Douglas Brown, The House with the Green Shutters (1901). Dans un premier temps l'analyse porte sur la manière dont le lieu façonne l'identité des personnages car, selon Casey, lieu et identité sont intimement et profondément liés (Casey 2001a, 684). La démonstration s'intéresse ensuite à la cartographie du pouvoir que dessine le roman. Celle-ci révèle la complexité d'un texte qui alterne entre acceptation et déconstruction du dualisme centre-périphérie, conduisant ainsi le lecteur à modifier son propre positionnement. Enfin, les métaphores spatiales se révèlent être un moyen pour le romancier de lier le local et l'universel, puisque l'hubris du personnage principal et sa chute sont exprimées à travers des images qui font écho à la topographie écossaise.

Cet article examine Tales from the Mall (2012) de l'écrivain écossais Ewan Morrison à la lumière de la critique du XXIe siècle sur les espaces postmodernes, ainsi que des écrits de Richard Kearney sur la biopolitique. Le point de départ se fonde sur la manière dont les centres commerciaux, véritables protagonistes de cette œuvre hybride, se présentent comme des espaces entropiques, des non-lieux ainsi que les définit Marc Augé, et sur la capacité des différents récits à décrire et contredire les phénomènes de déshumanisation et de séparation induits par ces non-lieux. En se fondant sur les théories du sociologue George Ritzer, notamment ses concepts de « cathédrales de la consommation », de phantasmagorie, de « nullities », et sur sa dialectique de l'enchantement/désenchantement, l'article retrace comment les centres commerciaux, fers de lance du capitalisme consumériste, privent durablement l'humain de son humanité. Tales from the Mall, qui présente un assortiment de textes et d'images, traite des conséquences de la globalisation, du faux global, en thématisant la disparition des repères spatio-temporels qu'entraîne le « glocal ». La réponse proposée par Morrison est de s'appuyer sur une série de narrateurs qui permettent de réinjecter la vie au cœur de l'environnement mortifère qu'ils décrivent. Le récit devient alors force de résistance et de proposition politique.

Cet article analyse les formes subtiles de l'engagement éthique de Jon McGregor à travers l'étude des procédés photographiques et cinématographiques qui caractérisent sa fiction. De tels procédés jouent un rôle crucial dans la plupart de ses œuvres mais nous nous limitons ici à son premier roman, If Nobody Speaks of Remarkable Things (2002). La nature intermédiale de la pratique photographique est soulignée dans ce roman par le choix de procédés narratifs qui tissent le textuel et le visuel pour mieux résister à une vision hégémonique qui ignore trop souvent l'Autre, le non-remarquable. Les diverses photographies, prises ou non prises, plaident en faveur d'un nouvel engagement poétique qui bouleverse notre vison en mettant en lumière de nouveaux champs de visibilité.

Cet article explore la façon dont Birds of Passage (1983), le premier roman de l'écrivain australien Brian Castro, interroge les notions de subjectivité, de nation et de langage à travers la pratique de la traduction. Il montre que Birds of Passage est un roman post-monolingue qui défie l'équivalence affirmée par la tradition romantique entre « langue maternelle » et subjectivité authentique. En outre, l'article prouve que la représentation de l'autotraduction, en tant que pratique mais aussi métaphore, est au cœur de la réflexion de Castro sur l'identité australienne contemporaine.

Bien qu'ayant fait l'objet de peu d'études universitaires, le roman d'Adam Hall The Quiller Memorandum (1965), premier opus d'une série de dix-neuf romans d'espionnage que l'on peut aussi considérer comme des thrillers, explore avec précision les craintes liées à la résurgence du nazisme après-guerre. Prenant pour thème la capture de son protagoniste par un « Bureau » clandestin et jouant sur des tropes évoquant des espaces interstitiels et des infections pathogènes, le récit de Hall explore la dynamique de l'État de sécurité nationale moderne et de ses ordres du jour secrets. De manière plus indirecte, ce roman décrit le dilemme d'une Allemagne d'après-guerre perçue comme un No Man's Land en proie au désarroi spirituel, représentation anticipée par l'œuvre du sociologue Alfred Weber, Farewell to European History: or, The Conquest of Nihilism (1948).