Contenu du sommaire : Genre, féminisme et valeur de l'art

Les recherches dans et sur le domaine de la théorisation féministe en art étant peu développées en France, nous avons choisi de revenir, dans cet article, sur les contextes d'émergence de cette théorisation, depuis les premières réflexions sur la place des femmes dans le monde artistique jusqu'aux tentatives d'articuler pratiques esthétiques et expression politique, sous l'influence du mouvement féministe. Dans un second temps, nous tentons d'établir une typologie des thématiques que les questionnements féministes ont contribué à renouveler tant dans le domaine de l'art que, plus largement, dans celui de la réflexion sur la création artistique, des années 1980 à aujourd'hui.

Dans ce texte, tiré du premier chapitre de son livre Differencing the Canon (1999) [1], Griselda Pollock propose un véritable programme de recherche pour repenser l'histoire de l'art comme discipline. En s'appuyant notamment sur les travaux de la philosophe et psychanalyste Sarah Kofman et sur les recherches menées par les théoriciennes féministes de l'art depuis trente ans, elle s'interroge sur le rôle que le féminisme, le genre et les études postcoloniales ont pu et peuvent encore avoir dans la redéfinition du ‘canon' à la fois andro et ethnocentré qui structure toujours notre appréhension de la création et de la figure ‘du' créateur, via les disciplines artistiques et les institutions culturelles. [1] Traduction française pour les Cahiers du Genre du chapitre 1 de Differencing the Canon: Feminist Desire and the Writing of Art's Histories (London & New York, Routledge, 1999, p. 3-21), publiée avec l'aimable autorisation de Griselda Pollock et de son éditeur. Pour des raisons de place, certains passages, indiqués par des […], ont été coupés.

Produits exclusivement par des femmes, pour le marché occidental, les tapis du sud marocain sont vendus par des hommes, qui contrôlent et organisent le marché des tapis aux niveaux national et international. D'un bout à l'autre de la chaîne, ces tapis passent du statut de production artisanale à celui d'œuvre d'art. La construction de la valeur des tapis va de pair avec une occultation des tisseuses qui permet aux marchands d'exploiter les inégalités en termes social, ethnique et de genre. Cet article interroge les catégories d'art et d'artisanat et s'intéresse particulièrement aux questions de l'imitation et de l'appropriation de la production.

Le monde de l'art est un espace social et professionnel résultant d'un processus complexe de négociation entre les définitions de l'art comme objet symbolique et de l'identité sociale de l'artiste. Or une analyse en termes de genre montre que le ‘talent' et le ‘génie' sont des constructions aux conséquences sociales et professionnelles décisives. Il s'agit donc ici de s'intéresser au rôle des institutions et des ‘gardiens du temple' qui ‘créent' les artistes en leur procurant les ressources nécessaires à la production artistique, ainsi qu'à la manière dont joue le genre dans les processus de construction de l'histoire de l'art. C'est enfin à une déconstruction des positionnements à partir desquels hommes et femmes déterminent leur manière de ‘faire (de) l'art' qu'invite une analyse du champ de l'art selon le genre.

Selon le mythe fondateur de la peinture, et plus généralement de la représentation figurée, l'auteure de la première image figurative serait une jeune femme, ‘la fille de Dibutade'. Elle aurait ainsi tracé sur un mur l'ombre de son amant afin d'en conserver l'image. Le père de la jeune fille, potier dans une ville grecque, aurait transformé ce premier tracé en bas relief en le fixant avec de l'argile. Cependant, de l'Antiquité à aujourd'hui, ce récit ne cesse d'être remodelé. À partir de ses différentes versions, il s'agit non seulement d'analyser la production des représentations sociales relatives à la part respective des femmes et des hommes dans une invention majeure pour les sociétés, mais également leur valeur symbolique.

On interroge ici l'intérêt d'une approche queer dans le champ de l'histoire de l'art, en prenant en compte les questions épistémologiques liées à l'anachronisme et à la réception de l'œuvre d'art. Principalement autour de trois questions : quel lien la métaphore entretient-elle avec le processus de sublimation propre à l'acte esthétique et celui de l'intériorisation de la mélancolie à travers laquelle se construit l'identité de genre ? Quelles sont les fonctions subversives du queer au cœur de la différence des sexes alors que le queer est avant tout excentrique ? Comment cette excentricité amène-t-elle à repenser les découpages temporels de l'histoire de l'art et les catégories esthétiques établies ?

L'analyse de la relation entre les théories féministes et les pratiques artistiques passe ici par la référence à deux best-sellers parus en 1970 aux États-Unis — Dialectic of Sex de Shulamith Firestone et Sisterhood is Powerful de Robin Morgan — et à leur influence sur certains artistes contemporains qui commencent dès lors à s'inscrire au sein d'une réflexion explicitement liée à l'idéologie féministe. L'artiste américaine Yvonne Rainer évoque notamment l'importance des théories féministes pour son travail performatif et filmique. À leur contact, Rainer change de médium en abandonnant la performance pour passer au film. Ce dernier lui permet de repenser la notion même de représentation et de faire se rencontrer, de façon conjointe, féminisme, esthétique et politique.

L'universel comme valeur esthétique explose sous le double effet de la performance comme forme critique de la représentation, et du genre comme contenu voilé à la base de processus d'exclusion qui ont actualisé cette valeur. Mais l'action de ces deux facteurs varie, comme le montre l'examen de performances masculines. La radicalité formelle peut par exemple conforter les représentations de genre et faire du masculin l'unique source de valeur artistique ; quand d'autres performances déforment au contraire le masculin en manifestant toute sa plasticité. Au final, plutôt que considérer le genre comme un contenu critique à révéler, on est conduit à l'aborder comme une forme que la performance produit. À ce titre, la valeur esthétique de l'universel ne fait pas qu'exploser, elle est libérée de certaines représentations exclusives pour acquérir elle aussi de nouvelles potentialités formelles.

Cet article propose l'analyse d'une controverse qui s'est développée en 2004 autour de l'organisation d'une manifestation scientifique consacrée à la prostitution. Après la présentation de la chronologie de cette controverse, des différents acteurs et de leurs modes d'intervention, l'article s'arrête sur la nature des arguments échangés et tente de dégager les différents registres de justification des acteurs intervenus dans cette polémique. Celle-ci s'inscrit par ailleurs plus largement dans le débat déjà ancien autour de la prohibition ou de la légalisation de la prostitution qui a été réactivé au cours des années récentes par les politiques diamétralement opposées mises en œuvre dans des pays européens comme la Suède d'un côté et les Pays-Bas ou l'Allemagne de l'autre.