Contenu du sommaire : Jouer et déjouer le masculin et le féminin : acteur·rices et fabrique du genre

Dans la mémoire cinéphilique, Charles Boyer pourrait n'être retenu que comme un French lover hollywoodien, au caractère quelque peu suranné. Il fut pourtant, dès les années 1930, une star et un acteur reconnu, en France comme aux États-Unis, avec la particularité de s'être illustré dans un genre a priori féminin, le mélodrame. Cet article entend appréhender l'originalité des techniques de jeu et de la persona mélodramatique que l'acteur a construit en France dans les années 1930, à partir de son travail au théâtre avec le dramaturge Henry Bernstein, auteur à succès du boulevard parisien. C'est à partir de cette technique de jeu et de cette persona mélodramatique développées en France que s'est façonnée son image de French lover à Hollywood, une image dont il s'agira d'étudier le caractère en marge des codes de masculinité américaine. Novatrices, ses techniques de jeu à caractère mélodramatique peuvent même sembler annonciatrices d'une masculinité nouvelle, telle que la donneront à voir les comédiens de l'Actors Studio à partir des années 1950.

En 1996, Kirk Douglas est touché par un AVC ; cela ne l'empêche pas la dernière star de l'âge d'or hollywoodien de jouer dans quelques derniers films. Cet article se propose d'envisager les stratégies déployées par Douglas contre le vieillissement et le handicap avant son AVC, puis à travers l'exemple de Diamonds (J. M. Asher, 1999), son premier film post-accident. Au gré des tentatives avortées de performer son genre – conduire une voiture, coucher avec une femme, se battre – l'acteur incarne une masculinité hégémonique luttant pour conserver sa place et éloigner l'état redouté de la subordination à autrui (qu'il s'agisse des autres hommes, des femmes, ou de sa propre famille). La position paradoxale de Douglas, condamné par la contradiction entre sa persona à la masculinité exacerbée et son état de « déclin », offre un riche support de travail, permettant de mobiliser des apports provenant aussi bien des gender studies, que des star/acting studies et age studies.

Cet article examine des albums-souvenirs britanniques consacrés aux stars de cinéma des années 1910, 1920 et 1930, afin d'analyser les « persona performatives » des actrices du cinéma muet et des débuts du cinéma sonore. En se concentrant sur les performances de Malvina Longfellow et Barbara Stanwyck, cet article étudie les représentations du genre et de la performance dans ces albums-souvenirs à travers une approche interdisciplinaire, en examinant comment les images d'actrices qui y sont présentes offrent un éclairage unique sur le jeu des femmes à l'écran durant cette période de l'histoire du cinéma. Cela est particulièrement important pour reconnaître l'art de l'interprétation mobilisé dans les performances féminines, et pour proposer une compréhension plus nuancée et plus agentive des photographies posées et glamour qui remplissaient les magazines de cinéma et qui « illustraient la dépendance du cinéma à l'attrait exercé par les interprètes ». (Jeffers McDonald et Lanckman, 2019 : 3).

Cet article examine la performance de Dustin Hoffman dans Tootsie (Sydney Pollack, 1982), en mobilisant des travaux récents issus des études trans* pour suggérer que l'acteur communique une forme d'« énergie trans* » au spectateur que je suis. En m'appuyant sur l'argument de Cáel M. Keegan (2022) selon lequel le film s'écarte des clichés des comédies de travestissement pour offrir une représentation valorisante de la féminité trans, je soutiens que l'interprétation de Hoffman en Dorothy rompt avec les conventions du motif de la révélation en offrant à être lue comme une suspension jouissive de la binarité de genre. En analysant les capacités affectives des fluctuations vocales et physiques de Hoffman dans deux séquences clés, mon travail vise à situer Tootsie comme un objet médiatique singulier au sein du cinéma du début des années 1980, tout en contribuant à la théorie d'Eliza Steinbock (2019) selon laquelle le cinéma possède la capacité unique de transmettre le « scintillement » de l'expérience trans.

Cet article interroge la « fabrique du genre » des personnages masculins et féminins dans trois séries télévisées de l'univers Star Trek à partir du motif science-fictionnel de la possession. L'étude mobilise la notion de character overhaul de Jason Mittell afin de déterminer si ce type de personnage est nécessairement queer. L'article démontre que les acteurs et actrices sont au cœur de la construction de la masculinité et de la féminité de leurs personnages : sous un angle essentialiste et misogyne par l'entremise de l'iconographie de l'hystérie (Star Trek TOS), puis via un récit hétéronormatif refusant une relation amoureuse perçue comme lesbienne à cause du genre incertain des « Trill » (Star Trek The Next Generation), et enfin par une alternance de gestuelle masculine et féminine au sein d'un récit subtilement queer (Star Trek Voyager). Cet article souhaite démontrer que le potentiel queer du character overhaul n'est jamais pleinement investi. Cependant, les analyses insistent sur la manière dont le character overhaul remet en question certaines normes de la pensée straight, essentiellement par la décorrélation entre l'identité de genre, le corps dit biologique, et la sexualité.

L'interprétation des rôles de personnages transgenres suscite depuis plusieurs années le débat dans la sphère publique et soulève également une démarche de réflexion de la part des acteurs et actrices cisgenres, interprètes majoritaires de ces rôles. Cet article se propose d'étudier comment performance actorale et performativité de genre entrent en résonnance dans le cas de ces interprétations en se concentrant sur les rôles de Zoé Héran (Tomboy, Céline Sciamma, 2011) et de Noémie Merlant (A Good Man, Marie-Castille Mention-Schaar, 2020). Dans quelle mesure cela influence-t-il la réception spectatorielle ? En analysant les transformations physiques et la reproduction des codes genrés proposés par les deux actrices, cet essai interroge leur capacité à proposer une articulation entre performance actorale et performativité de genre. En outre, l'étude des commentaires issus du site AlloCiné permettront d'explorer la réception du jeu de Zoé Héran et Noémie Merlant et de mettre ainsi en perspective la relation entre performance et performativité au prisme d'une confrontation entre réel et fiction.

Cet article cherche à examiner comment l'environnement de l'institution pour jeunes délinquants montré dans Pixote - La loi du plus faible (Hector Babenco, 1980) peut être lu comme une métaphore de « l'hétérosexualité obligatoire » (Butler, 2005 [1990] : 52) imposée aux sujets. On analysera comment, dans le film, les garçons cherchent à imiter le comportement des hommes adultes, et notamment leur violence, perçue comme un symbole de l'affirmation de la masculinité. Le discours verbal des personnages est particulièrement intéressant car c'est à travers ces « actes du discours » (Austin, 1970 [1962]) que les corps des enfants sont forgés par les adultes. On examinera également comment la performativité du genre structure l'acceptation ou la répression de l'homosexualité et de la transidentité, et comment le jeu d'acteur réaliste contribue à représenter cette fabrique du genre.

Cet article s'intéressera à des questions de représentation de genre au cinéma, à partir de l'analyse stylistique d'opérations formelles. Nous proposons, dans une perspective comparative d'histoire des formes cinématographiques d'inspiration warburgienne (Gombrich, 2015 [1970]), de réaliser une courte enquête iconographique (Panofsky, 1967 [1939]), à propos de films hollywoodiens, principalement des westerns, réalisés par des cinéastes classiques ou contemporains. Cette étude vise à mettre en exergue, de George Stevens à Kelly Reichardt, la permanence de certains procédés de mise en scène (comme le split-screen intra-diégétique) et de certains accessoires devenus de véritables motifs (notamment la hache et le tablier, mais aussi la fenêtre ou le pot de fleurs) tendant à différencier de façon strictement binaire les attitudes, les actions et les accessoires des personnages selon qu'ils soient féminins ou masculins, dans un réflexe dichotomique contribuant tantôt à réaffirmer tantôt à interroger les codes d'une certaine « valence différentielle des sexes » (Héritier, 1996).

Cet article cherchera à comprendre comment la blondeur peut se constituer comme un outil d'analyse de certains enjeux contemporains qui traversent le cinéma contemporain. À partir de l'analyse des rôles et du jeu de trois actrices en particulier (Nicole Kidman, Charlize Theron et Margot Robbie), il s'agira de repérer les constantes, les évolutions et les possibles ruptures esthétiques et politiques incarnées par la blondeur à l'écran. Les notions de plasticité et de ludique structurent cet écrit qui se propose de croiser les champs disciplinaires de l'esthétique du cinéma, des études actorales et des études de genre. Il s'agira en définitive de comprendre comment le style de jeu et les représentations de l'actrice de cinéma peuvent enrichir la réflexion sur un motif et œuvrer à une approche transdisciplinaire de l'analyse filmique.

Depuis le travail de Dominique Pasquier sur Hélène et les garçons, basé sur le courrier des lectrices et des lecteurs, peu d'études ont interrogé les adolescent·es sur les teenseries qu'ils et elles regardaient. Ces séries sont pourtant massivement consommées, notamment sur la plateforme Netflix. Or, les personnages préférés participent à l'acquisition de savoirs expérientiels sur les genres et les sexualités. Lors d'entretiens semi-directifs avec des lycéen·nes de quatre lycées différents, des éléments de compréhension de la perception des personnages LGBTQIA+ ont été recueillis. Si pour la plupart des enquêté·es la diversité des orientations sexuelles est bienvenue, cela n'empêche pas des discours critiques qui montrent des compétences spectatorielles relatives aux choix scénaristiques et à l'élaboration des personnages LGBTQIA+. La diversité des genres et des sexualités proposées par les teenseries participent à une meilleure compréhension d'un moi en construction et d'une prise de conscience de la difficulté et des discriminations vécues par des communautés.