Contenu du sommaire : Performance Studies

Cet article étudie les potentialités et les limites du paradigme anglo-américain de la performance. Il analyse les implications épistémologiques et méthodologiques du “performance turn” en sciences sociales, et prend en compte la critique que font les chercheurs indigènes des systèmes de connaissance occidentaux qui privilégient, marque d'impérialisme culturel, la pensée binaire et le dualisme entre l'esprit et le corps. L'insistance sur la dimension politique fait écho aux concepts d'archive et de répertoire, de traces matérielles et de performance non-écrite, tels qu'ils sont définis par Diana Taylor, montrant les présupposés sociaux et culturels à l'œuvre derrière l'apparente neutralité de l'archive.

Dans cet article, Diana Taylor revient sur la distinction qu'elle opère entre archive et performance. Elle analyse les tentatives illusoires de conserver des performances qui risquent de devenir canoniques, s'opposant ainsi à un aspect fondamental du répertoire. Elle étudie les différents aspects rhétoriques qui entourent le concept mis en avant par l'UNESCO de patrimoine culturel immatériel pour montrer les ramifications politiques et économiques à l'œuvre derrière le cadre institutionnel. Elle souligne le rôle néfaste des forces économiques dans des contextes où les dimensions esthétiques et culturelles pourraient donner l'impression d'être dominantes, transformant la performance en produit. Elle révèle les stratégies de marketing dans les « re-performances » de Marina Abramović et l'installation « The Artist is Present », qui débouchent sur un résultat artistique totalement différent de ses aspirations à l'authenticité et à la présence.

Cet article aborde l'absence comme concept théorique central aux performance studies. Selon un courant de pensée influent en performance studies, « la performance n'existe que dans le présent » (Phelan 146). Mais la performance est toujours passagère et éphémère : la performance s'absente une fois terminée. Cet article étudie ce qui reste, et aborde la question de l'archive, de la documentation et de la performance à l'aide de deux études de cas. La première relève du performance art, les Connotations — Performance Images (1994-1998) de Hayley Newman, recueil de photographies prises sur une période d'une semaine en 1998 mais présentées comme les archives de quatre ans de carrière d'une artiste. Ces images constituent la performance d'un « faux » témoignant de performances qui n'eurent jamais lieu. L'étude met ensuite en regard le travail de Newman avec le film de Bill Morrison Decasia (2002). Ce film a été monté à l'aide de fragments détériorés de film orphelin sur pellicule au nitrate trouvés dans des archives anciennes (l'expression « film orphelin » désigne des œuvres abandonnées par leurs propriétaires ou ayant-droits). Le film se présente comme une disparition et surtout comme une performance de l'absence. Il met à mal certains discours sur l'absence et l'oblitération en performance studies en réutilisant une matière en désagrégation. L'article montre comment ces œuvres au format archivable se révèlent utiles à l'étude de la notion d'absence et de disparition en performance. Il défend l'idée que penser l'archive et l'absence à l'aide de ces « énergies mutuellement perturbatrices » (Schneider 15), où les morts ne sont pas complètement morts, ou les vivants pas complètement vivants, met en cause la logique d'archivage de la modernité et laisse place à des restes mimétiques.

L'artiste et universitaire E. Patrick Johnson questionne de façon radicale la représentation des homosexuels noirs du sud des États-Unis avec la mise en scène de son livre Sweet Tea: Black Gay Men of the South (2008). Cette anthologie d'entretiens suggère la naissance d'une nouvelle catégorie identitaire tout en développant une réflexion critique qui contrecarre les effets de réification de cette catégorie. En analysant le trope du « coming out » (révélation publique de son homosexualité) et les enjeux de la notion de présence à la fois sur scène et sur la page, cet article tente de montrer dans quelle mesure le spectacle ethnographique « seul en scène » aide à produire l'incarnation des noirs queer invisibilisés jusque-là. En outre, cet essai explore les défis relevés par la stratégie représentationnelle de Johnson qui s'appuie sur une co-création entre témoins, acteurs et spectateurs. Afin de déjouer les pièges normatifs de la visibilité, le travail de Johnson met en avant les instabilités queer qui entremêlent les fils de la race, de la classe, du genre et de la sexualité grâce à l'oscillation entre présence et absence. Ainsi, Sweet Tea permet une perception hybride politique et poétique qui permet de mieux saisir les processus fluides de subjectivation au cœur d'une société spéculaire.

Dans la pièce Topdog/Underdog (2001), Suzan-Lori Parks accomplit le destin onomastique de deux frères noirs baptisés Lincoln et Booth — le premier, comme son homonyme historique, meurt sous les coups du second. « Linc » gagne aussi sa vie à rejouer l'assassinat du Président américain. Vêtu d'un costume d'époque et le visage maquillé en blanc, il attend dans une salle d'arcade que les clients tirent sur lui à l'aide de balles à blanc, avant de s'effondrer. L'usage du maquillage dans la performance du personnage a jusqu'ici peu attiré l'attention de la critique : on l'interprète souvent comme un renversement de la tradition performative du blackface. Je défends l'idée qu'en s'intéressant au destin du corps du Lincoln historique, on peut lire la présence du whiteface comme une référence à la dépouille du Président assassiné. L'intention ici est de mettre en avant un événement issu de l'histoire sociale et dont le rapport avec la pratique théâtrale est habituellement passé sous silence, pour faire le lien avec la performance présentée dans la pièce, afin d'ajouter un niveau interprétatif aux explications déjà validées.