Contenu du sommaire : La musique live en contexte numérique. Captation, diffusion, valorisation, usages

Cet article propose une analyse des importants mouvements d'ordre industriel qui sont à l'œuvre en France dans la musique live, articulés autour des plateformes de billetterie. Il s'y joue en effet un processus d'industrialisation de la filière, qui transparait assez nettement à travers les trois tendances industrialisables que sont la technologisation, la rationalisation et l'idéologisation. L'activité de billetterie se situe ainsi au cœur de stratégies développées par de grands groupes, qui contribuent à insérer la musique vivante dans des dynamiques industrielles et financières leur conférant des pouvoirs de marché particulièrement importants. Les professionnels de la musique, et en particulier les scènes de musique actuelle et les opéras, cherchent cependant à se réapproprier les services de billetterie afin de conserver la maîtrise des données et le lien étroit avec leur public.

La transition numérique dans l'industrie musicale a eu pour première conséquence d'ampleur d'amener une crise du marché des supports physiques qui n'a pas encore fini de livrer toutes ses implications. Dans ce même temps, la musique live a retrouvé une position centrale comme axe de création de valeur, pour les artistes comme pour les autres acteurs de l'écosystème. Cette spécificité tenait en partie à la difficile dématérialisation de l'« ici et le maintenant » du concert. Avec le livestream, dont le développement a connu une accélération forte lors de la pandémie de la COVID-19, le live se créé et se diffuse en ligne, via des solutions techniques ad hoc, mais surtout via les plateformes sociales de partage de contenus. Remise en perspective par une analyse des pratiques observées au cours de l'année 2020, le positionnement de la plateforme de livestream Twitch amène à s'intéresser aux modalités de création de contenus, aux interactions qui se font autour, ainsi qu'aux modèles économiques qui se dessinent.

À partir d'une étude ethnosémiotique de deux concerts diffusés en livestream en 2019 et 2020 par le groupe Indochine, nous observons sur Twitter et Instagram comment les fans s'expriment à propos des live et de quelle manière ils les documentent. À travers l'analyse de leurs publications et commentaires, il s'agit d'étudier quelles images de ces concerts sont publiées, « redocumentarisées », et de quels sens et émotions les fans investissent ces publications. Les deux plateformes sont des lieux de partage d'opinions et d'émotions, mais permettent également à l'expérience live de se vivre par anticipation et par extension, et donnent à voir la coexistence de logiques de collection et de mise en visibilité de soi et des artistes.

En 2020 au Québec, la pandémie de la COVID-19 a entrainé l'annulation de nombreux événements musicaux. Outre les concerts, ce sont aussi les soirées de jam qui ont dû s'arrêter. Celles-ci rassemblent habituellement des amateurs de musique pour des séances d'improvisation collective cadrées par des règles (dites et non-dites) qui varient selon les lieux, les participants et les genres de musique. Cet article porte plus spécifiquement sur une communauté de producteurs et d'amateurs de musiques électroniques qui ont choisi de transposer dans l'environnement numérique l'événement de jam qu'ils organisaient dans des lieux physiques auparavant. Notre recherche vise à comprendre ce que la transposition numérique fait à la création collective et par quels dispositifs techniques celle-ci se matérialise. Face aux contraintes et limites tant techniques qu'organisationnelles, la raison d'être du jam évolue, passant de la musique jouée ensemble dans un même moment à la musique produite et composée collectivement. Ainsi, notre recherche montre que la volonté de développer un projet temporaire collectif commun encourage les participants à négocier avec le format de l'événement.

La captation retransmise en direct de concert, ou livestream, a atteint une nouvelle échelle, du fait du confinement et de l'interdiction d'événements musicaux dans le monde. Le secteur des musiques électroniques de danse s'en est emparé et composé « leur » nouveau lieu de musique. Il prend une « forme spectacle » à distance, via des interfaces et outils virtuels. Au travers de l'étude d'une soirée en festival virtuel de chez moi en passant par Détroit et Twitch, j'avance alors des éléments d'une reconfiguration du secteur par le maillage industriel entre producteur d'événement et acteurs des réseaux de diffusion : plateforme et chaîne. Davantage, elle questionne la place des publics — entre chat parlant et viewers muets — et des DJ dans cette situation, et s'enquière de comprendre ce qu'ils (y) éprouvent de connexion, de relation, de goût, de commun, de (re)connaissance dans cette musique live.

La circulation importante des vidéos de concerts sur les plateformes numériques interroge plus que jamais le concert comme rituel public exclusif. En France, ces vidéos sont souvent appelées captations, terme qu'il s'agira d'examiner dans cet article au prisme des différents paradoxes qu'il présente. Pour cela, nous nous appuyons sur une enquête exploratoire par entretiens, que nous avons menée auprès de professionnels français. Dans une première partie, nous mettons en évidence la tension entre secret et publicité, propre à la situation de concert. Nous étudions ensuite le paradoxe que pose la volonté de transposer à l'écran la dimension exclusive du concert, sous forme de document et dans différents contextes médiatiques. Enfin, nous étudions la manière dont la vidéo, lorsqu'elle s'émancipe du rôle de document de concert, affecte en retour le concert et devient elle-même performance musicale, phénomène particulièrement visible à travers les nouveaux formats de captation sur les plateformes numériques. Chacun des paradigmes présentent des enjeux particuliers en termes esthétiques, économiques et patrimoniaux.

À partir d'une analyse documentaire des productions audiovisuelles mises en ligne sur Pitchfork et des contenus qui en font la promotion, cet article propose d'explorer comment l'usage du live permet au webzine de légitimer son rôle comme composante créative au sein des industries de la musique. Comment les forces de modelages des plateformes numériques, tel que YouTube, ont-elles transformé les pratiques du webzine et les possibilités de création et de diffusion de productions audiovisuelles live? Cet article propose le concept de performance de la forme en explorant comment de multiples performances peuvent être attribuées à une forme culturelle donnée.

Cet article montre la valeur d'une approche centrée sur le son et la technologie pour l'étude de la musique live. En prenant pour point de départ le festival de Woodstock qui s'est tenu en 1969, jusqu'à la radiodiffusion en ligne de la totalité des archives audio du festival 50 ans après, il retrace la technologie sonore à travers le temps et l'espace ; depuis une infrastructure analogique et des supports d'enregistrement jusqu'aux médias numériques et une infrastructure issue de la distribution de masse. De cette manière, nous donnons des exemples précis pour placer les médiations sonores au cœur des pratiques musicales live en général. Enfin, nous nous basons sur la radiodiffusion susmentionnée pour décrire des éléments nouveaux qui participent de la mise en scène du live sur Internet.

Comment imaginer l'avenir de l'industrie de l'événementiel depuis la crise de COVID-19 ? C'est à cette tâche que s'attellent Denzil Rankine et Marco Giberti dans leur ouvrage Reinventing Live : The Always-On Future of Events (2021). La proposition de ces deux praticiens en faveur de formats événementiels hybrides est illustrée par une posture réflexive et riche en études de cas.

Cette note de lecture porte sur l'ouvrage The Future of Live Music, paru chez Bloomsbury éditions (2020). Dirigé par trois professeur.e.s de l'Université du Lancashire central (Preston, Royaume-Uni), il fait intervenir 16 contributeur.ice.s au cours de 13 chapitres répartis en cinq parties thématiques : les approches, la technologie, les artistes, les espaces et les évaluations. Son objectif est d'esquisser ce qui pourraient être les nouveaux enjeux de la musique live.