Contenu du sommaire : Âges de la vie, âges à l'écran : passages, seuils, transitions et évolutions genrées

Dans la rationalité politique néolibérale, les femmes âgées sont associées à une valeur sociale réduite, à l'impuissance et à l'asexualité. C'est dans ce contexte que nous avons entrepris d'examiner la représentation de la subjectivité sexuelle des femmes âgées dans la série télévisée Grace and Frankie. En nous appuyant sur la notion de « technologies du soi » de Michel Foucault, nous montrons comment les différentes pratiques des deux protagonistes de la série, Grace et Frankie, les aident à négocier avec le pouvoir normatif qui façonne leur position en tant que femmes vieillissantes. En décortiquant les différentes technologies du soi mises en œuvre par chaque personnage, nous démontrons comment elles parviennent à maintenir un sentiment de subjectivité sexuelle. Nous suggérons que la série télévisée identifie des options contemporaines pour des pratiques transformatrices, qui peuvent aider les femmes âgées dans leurs efforts pour faire face aux constructions néolibérales restrictives de la vieillesse.

Cet article étudie Better Things (FX, 2016-2022) de Pamela Adlon comme l'une des rares séries télévisées don't le récit est focalise sur une mère, et non sur son/ses enfant(s), ce qui lui permet de représenter la cinquantaine comme une période de changement perpétuel. Plus précisément, l'article s'appuie sur l'étude de l'esthétique télévisuelle, des productions culturelles féministes, de l'expérience et de la subjectivité maternelles, pour étudier comment Sam, la protagoniste – et aussi, en filigrane, Adlon la créatrice de la série - sont représentées, comme un soi en construction, se développant à travers une interaction dynamique entre sa carrière, ses désirs, sa physiologie et la communauté familiale et amicale qui l'entoure. Par l'étude de ce processus, l'article met l'accent sur certaines caractéristiques déterminantes de Better Things, notamment sa structure fragmentée qui déroge aux exigences du format épisodique et sériel, son esthétique visuelle maternelle, à laquelle j'ai donné le nom d'esthétique télévisuelle de l'interruption ; et l'intérêt, qui va croître continument pendant les cinq saisons que durera la série, pour l'expérience du vieillissement.

Cet article propose d'étudier les représentations des seuils sociaux marquant les étapes entre la jeunesse et l'âge adulte, plus particulièrement l'entrée dans la vie sexuelle, dans les séries adolescentes diffusées en France entre 1992 et 2023. Parmi les étapes incontournables des trajectoires adolescentes, « la première fois » bénéficie d'une place particulière, permettant à la fois de structurer le récit, de nourrir la tension narrative et de faire évoluer les personnages. Les résultats présentés dans cet article reposent sur l'étude d'une première sélection de 11 programmes permettant d'identifier les seuils structurant le récit, et d'une seconde sélection de 17 séries abordant de façon détaillée l'entrée dans la vie sexuelle d'au moins un personnage. Une étude compréhensive des personnages, portant sur leurs aspirations, leurs déclarations ou leur modes de vie, permet de constater une grande régularité dans le temps des représentations sociales des étapes structurantes de cette période. Dans ce cadre, le premier rapport sexuel constitue un événement particulièrement important, abordé, traité et vécu de façon différenciée par les personnages féminins et masculins.

Cet article explore des trajectoires d'actrices qui doivent arbitrer entre stabilité économique, vocation artistique et dépendance vis-à-vis du regard des employeur·euses, dans un milieu aux inégalités structurelles et aux frontières professionnelles multiples. L'éloignement des réseaux théâtraux et les difficultés à obtenir des rôles après 50 ans dans l'audiovisuel, notamment à la télévision, génèrent une forme de désœuvrement et de remise en question individuelle. Selon leurs positions et leurs ressources, elles cherchent à diversifier leurs activités pour surmonter ces contraintes et se distribuer dans des rôles moins stéréotypés, offrant ainsi un éclairage sur les dynamiques de l'industrie du spectacle et les perceptions du vieillissement. En plus d'expliciter des stratégies employées par les comédiennes face aux discriminations dont elles font l'objet, l'enquête montre comment leur expérience du métier fournit le levier d'une critique des normes d'âge et des rapports de pouvoir dans ce milieu.

Souvent invisibilisées dans les médias et associées à des connotations négatives, les menstruations sont pourtant représentées dans certaines œuvres contemporaines qui cherchent à les normaliser et à les montrer de manière positive. S'appuyant sur vingt films et séries occidentaux et en adoptant une approche interdisciplinaire englobant anthropologie, études cinématographiques et de genre, cet article se propose d'analyser ces représentations. Il souligne spécifiquement comment les deux moments de transition que sont la ménarche et la ménopause sont présentés au XXIe siècle dans les récits audiovisuels et comment ces derniers offrent des représentations novatrices de leur ritualisation tout en remettant en question les imaginaires sociaux liés aux âges de la vie.

En 2022, la chaîne de streaming HBO Max a relancé la franchise Sex and the City (HBO, 1998-2004) avec la diffusion du spin-off And Just Like That, dont l'intrigue se déroule dans le New-York contemporain, et dont les héroïnes sont désormais quinquagénaires. L'article explore la manière dont la série traite du vieillissement féminin de ses personnages, mais aussi de ses actrices, dans une perspective post-féministe et queer. Développant un discours parfois contradictoire sur l'âge de ses protagonistes, elle illustre le poids des injonctions genrées paradoxales qui pèsent sur le corps des femmes, et montre la difficulté de concevoir la vieillesse féminine dans une culture qui valorise la jeunesse à outrance. C'est finalement dans les possibilités queer, toujours déjà présentes dans le texte, mais poussées ici à leur paroxysme, que la série propose un discours plus radical et optimiste sur le vieillissement féminin.

À la fin des années 1950, des critiques états-unien.es débattent des spectacles d'une nouvelle avant-garde chorégraphique. Leurs comptes-rendus regroupent parfois ces œuvres sous les vocables de danse « abstraite » ou « avant-gardiste ». En parallèle à ces catégories, il n'est pas rare de croiser, dans leurs colonnes, des lexiques liés au queer dans ses diverses acceptions et notamment stigmatisantes. Certains de leurs termes font ainsi écho aux mots que le maccarthysme avait récemment popularisés pour discriminer les minorités sexuelles et leur imposer les nécessités du placard. Du côté de la défense de cette avant-garde, un jeune interprète nommé David Vaughan propose, dans le courrier des lecteurs de Dance Magazine en 1958, de penser celle-ci sous l'angle d'une « approche non-éloquente ». En refusant que le corps parle, sa valorisation d'une danse transparente – limitée à ses seuls mouvements, à voir plutôt qu'à interpréter – n'est pas sans continuer à alimenter « l'épistémologie du placard » structurée autour de la séparation entre le privé et le public, le visible et le dissimulé, les non-dits et le non-dire. Par-delà ces lignes de front, cet article se propose d'explorer, à travers la notion de « placard éditorial », les dynamiques critiques pre-Stonewall de l'abstraction chorégraphique.

Le cinéma, la télévision, et plus récemment les plateformes, ont fréquemment exploré les conditions de leur production à travers la mise en scène de leurs coulisses, tant les plateaux de tournage que les bureaux des studios et des chaînes de télévision. Cet attrait de la fiction audiovisuelle pour la représentation de sa propre communauté professionnelle est toutefois mise au défi, depuis octobre 2017, par le mouvement #MeToo. À la suite des nombreux témoignages de travailleur·se·s, majoritairement des femmes, sur les violences et les discriminations subies au sein de leur environnement professionnel, le format sériel s'est emparé de ces thèmes en mettant notamment en scène plus de personnages de réalisatrices. Si l'on peut se réjouir de voir davantage de femmes à de telles positions, les séries semblent montrer des réalisatrices certes puissantes mais abusives. Cet article propose donc d'interroger la représentation de ces professionnelles sur le petit écran, à l'aune des enjeux soulevés par #MeToo, à travers l'analyse de trois séries : The L Word (2004-2009, Showtime), The Deuce (HBO, 2017-2019) et Brand New Cherry Flavor (Netflix, 2021).