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Le récent travail de l'artiste plasticienne brésilienne Liege Galvão a réactivé le débat autour des possibles relations entre le corps, la mode et l'art. En explorant la malléabilité de la matière première du cuir, elle s'engage dans une recherche sur la plasticité corporelle qui nous renvoie à son rapport avec la deuxième peau qui est l'habit. Cette potentialité du corps et son rapport avec l'apparition de l'homme est ce qui nous stimule et nous installe dans une position positive et toujours curieuse par rapport à la mode vestimentaire. Dans ce sens, nous allons nous baser sur les contributions des auteurs comme Merleau-Ponty, Luigi Pareyson, Marshall McLuhan, Michel Maffesoli et Alfredo Bosi, entre autres, avec l'intuition de promouvoir une observation sur le vestimentaire en tant que deuxième peau et agent configurateur d'une apparition.

Cet article traite de l'étude des codes vestimentaires issus du milieu littéraire européen et de leur répercussion sur l'habillement des artistes et des personnalités publiques – acteurs clés de la mode – dans le Rio de Janeiro de la Belle Époque. Le travail d'interprétation de ces modèles permet de montrer la problématique de ces choix symboliques et esthétiques, en tant que manières de construire et d'exprimer des visions du monde. D'après le concept de mythe de Gilbert Durand, on cherche à identifier les symboles et les signes qui donnent forme à ces figures mythiques, images primordiales exemplifiées par les modèles vestimentaires propres au dandysme, dans les habitudes masculines de s'habiller à la Belle Époque à Rio de Janeiro. On y trouvera la clé pour comprendre les multiples choix et les mouvements successifs qui sont la forme même de la contemporanéité.

Les divas sont des personnages qui au sein de la culture des médias et, plus spécifiquement, dans le contexte des vidéo-clips commerciaux, illustrent un certain pouvoir féminin. Les divas sont mythiques, c'est-à-dire qu'elles apportent avec elles des narrations récurrentes et culturellement significatives. Dans cet article, nous allons nous pencher sur des images des vidéo-clips produits à partir des années 2000 par l'industrie de la musique dans l'objectif d'analyser ces narrations représentatives d'un certain regard médiatisé sur les femmes de pouvoir, leurs corps, les tenues qu'elles affichent. Pour ce faire, nous utiliserons une approche sur les imaginaires contemporains de la mode ainsi que sur les mythes.

Cette réflexion est centrée sur l'analyse documentaire et qualitative de la production discursive sur la blanchité dans le magazine de mode Vogue, du point de vue des études de genre et postcoloniales. Des images issues de deux éditoriaux de mode datés de l'année 2008 – « Ça, c'est Paris » de Vogue Paris et « Folia de Rainha » de Vogue Brasil – révèlent des phénomènes complexes de légitimation raciale, traversée par d'autres rapports sociaux de domination (de classe et de genre/sexe). Qu'elle soit « révolutionnaire » ou « conservatrice », la blanchité perçue est bien le produit de luxe d'un « lieu de privilège », associé notamment au corps [blanc] féminin convoqué par la « matrice discursive » inter(nationale) du magazine Vogue.

La recherche s'intéresse à la culture relative aux street-style blogging et au rôle des blogueurs dans le circuit de la mode et de la communication en tant qu'une nouvelle forme d'intermédiaire culturel et économique. Depuis 2009, période de prolifération de ces sites, les « blogs street-style diary » (aussi connus comme des blogs de style personnel) se font remarquables en raison de la rénovation du mouvement au fil des années. Les blogueurs célèbres font émerger une dynamique de communion : la « fashion tailgating », c'est-à-dire la concentration des blogueurs, des spectateurs et des photographes autour des fashion weeks. Les blogueurs sont devenus des leaders d'opinion de l'industrie et, plus encore, des star-bloggers. Parmi les objectifs de ce travail, nous proposons l'étude de l'imaginaire du blogueur en tant que flâneur contemporain et surtout, en tant que profession convoitée, constituée d'un nouveau rôle. Grâce à une cartographie et une analyse de certains blogs, et à des entretiens, nous avons pu constater qu'en plus de garder l'esprit curieux du flâneur du XIXe siècle, les blogueurs sont devenus une « curiosité » eux-mêmes. De plus, « le jeu du blogging » implique l'acceptation des dynamiques de l'activité dans le but de devenir une figure médiatique et célèbre, c'est-à-dire qu'il s'agit d'une façon particulière de procéder dans des situations du monde professionnel, entre harcèlement, annonceurs et lecteurs.

Le digital, un écosystème largement préempté par l'industrie de la mode, a bouleversé ses modes de communication et de consommation. Cette ère a marqué une fluctuation grandissante allant du statut du consommateur, auparavant un spectateur passionné devenu un producteur de contenu, aux espaces du blog qui se transforment en un lieu d'expression, d'affiliation et de business. Ce lieu dans lequel la publicité se transmue en conversation, le branding en communauté et le design d'interface en une communication, devient un territoire de connivence et des codes publicitaires. Les pouvoirs de prescription des blogueuses mode séduisent le champ de la mode et attirent de plus en plus les marques en vue d'une collaboration. Il faut donc être présent là où se trouvent les lectrices, perçues comme des clientes potentielles, à l'égard de la marque. Le blog mode nous engage à réfléchir sur la façon la plus opportune de penser la place de ce média dans la circulation et la production des discours publicitaires de marques. Comment le digital exprime-t-il le discours de mode ? Quels sont les nouveaux vecteurs de communication et les techniques d'expression publicitaire ? Cette interposition se consacre à l'étude du design d'un journal de bord reposant sur une approche sémiotique tournée vers l'analyse des photos, textes et vidéos.

Les liens entre la mode et la culture digitale questionnent les nouveaux canaux de distribution et de médiatisation des marques et tendances à l'ère du numérique ainsi que les expériences consommatoires découlant de ce processus de digitalisation de la mode. Dans ce contexte émergent, de grandes mutations opèrent un renouvellement des sources de création et des vecteurs d'influence : réseaux sociaux, blogs, sites de marques, recomposent le paysage traditionnel de la mode et ses imaginaires, pour le transformer en un écosystème digital dans lequel le consommateur devient partie prenante, entre l'intime et le public.

Cet article propose de réfléchir sur l'esthétique du cinéma digital et des nouveaux médias à travers les fashions films. Ces produits médiatiques hybrides se sont développés lors de mutations sociétales majeures, reflets du développement des technologiques numériques du tournant du XXIe siècle. À travers une discussion sur l'effet de la postmodernité et de l'hypermodernité sur les pratiques culturelles et les pratiques de consommation, comme l'hyperconnectivité, l'hyperconsommation et un nouveau rapport au temps, nous présentons l'esthétique de fashion films comme étant l'esthétique propre aux nouveaux médias.

Le numérique, parce qu'il a bouleversé tous les grands domaines de l'industrie, a le potentiel de rebattre les cartes de la mode actuelle. En effet, à l'ère du développement durable d'un côté, et de la crise économique qui oblige à changer radicalement nos façons de consommer, de l'autre, le numérique appliqué au vêtement propose des solutions viables ou, en tout cas, à expérimenter. Or les maisons de haute couture française ne semblent pas prêtes à plonger dans l'univers du numérique. Frileuses, elles préfèrent brandir l'étendard de l'artisanat, du savoir-faire, et se clament défenseures du patrimoine culturel français, que le numérique viendrait mettre à bas… un domaine dans lequel elles n'auraient pas toujours le dessus, alors qu'elles ont toujours dominé. Comment expliquer ce phénomène ?