Contenu du sommaire : Formes poétiques du XXIe siècle

Depuis la publication du recueil poèmes-poëtra (2015) rassemblant ses poèmes des trois dernières décennies, l'œuvre du poète allemand Rainer René Mueller (né 1949) a suscité un intérêt croissant et enthousiaste de la part des critiques et du grand public. En examinant de près trois motifs centraux (le concept du Lied, la question de la provenance, et la figure de la pierre), cet article propose pour la première fois une vision d'ensemble de la position poétique de Mueller. Au centre de cette œuvre se trouve la question souvent posée : qu'est-ce que l'allemand‫ ?‪ Dans son travail, Mueller pose la question avec insistance, notamment en ce qui concerne les ruptures et les contradictions de l'histoire et de la langue allemandes. En interprétant des extraits de poèmes représentatifs et en prenant en compte des textes inédits des archives de Mueller, l'article cherche à montrer la spécificité de l'écriture et du style de Mueller. Selon ses premières déclarations programmatiques, Mueller a présenté ce qu'il a nommé des « Kassiber‫ » ‪‫au monde‪‫ – ‪‫c‪‫'‪‫est‪‫-‪‫à‪‫-‪‫dire des messages secrets‪‫ ‪adressés ‫à‪‫ ‪‫ceux qui sont prêts‪‫ ‪‫à‪‫ ‪‫prêter une oreille attentive‪‫.‪

Le recueil de poèmes SUBSONG, paru en 2014 et récompensé la même année du prix Ringelnatz, contient un précipité de l'écriture singulière d'Ulrike Draesner. SUBSONG décline en six sections différentes formes de « sous-chants » qui décrivent un cheminement didactique : à la naïveté enfantine de la première section, vokabeltrainer (einsingen), répond, après le passage par les stades de l'imitation (chants d'oiseaux, chants bibliques, chants pétrarquistes, chants de la pop-culture) et de l'émancipation (sub mère détachée), le méta-chant, ou sous-sous-chant : sub-sub « p » (what is poetry). La présente lecture entre, après une brève contextualisation de l'œuvre d'Ulrike Draesner, dans les jeux poétiques et sonores de son écriture mouvante en mettant la première et la dernière section en regard afin d'entrer dans le cœur de sa poétologie

Depuis l'Antiquité, la comparaison entre les abeilles qui bourdonnent et produisent du doux miel, et les poètes et leurs œuvres comblés de rythme et d'harmonie et s'inspirant de la tradition, est utilisée pour illustrer des considérations poétologiques. Dans l'œuvre des poètes contemporains de langue allemande Jan Wagner et Thomas Kling, le symbolisme traditionnel des abeilles est transformé pour circonscrire un positionnement poétique individuel. Ainsi, dans le poème poétologique de Wagner « autoportrait avec essaim d'abeilles », un essaim d'abeilles devient une allégorie de la sensualité phonétique et visuelle ainsi que de la richesse sémantique de sa poésie, mais le poème peut également être lu comme un symbole de la résistance de la poésie aux mécanismes de la culture de consommation occidentale. Wagner se positionne ainsi de manière ludique dans la tradition de la poésie apicole. Thomas Kling, quant à lui, ne choisit pas l'abeille, mais la guêpe, bien plus agressive, comme symbole poétologique central, à la fois pour se distinguer de certains aspects de la tradition poétique, mais aussi pour s'y inscrire. Dans « Second Daguerréotype » de Kling, une écriture de guêpe caractérisée par l'agressivité, la rythmique et l'alogicité est mise en scène et peut être interprétée comme métaphore de son esthétique de l'« écriture en mouvement‫ » (‪Trilcke). Par ailleurs, dans les poèmes de Kling, la guêpe symbolise une vision agressive et non sentimentale de la réalité. Bien qu'ayant une signification différente, les abeilles et les guêpes dans l'œuvre de Wagner et de Kling symbolisent à la fois les caractéristiques de la sensualité et de la richesse lyrique produites par le matériel linguistique ainsi que des formes spécifiques de résistance poétique et d'affirmation de soi.

Le recueil de poèmes Tiere in Architektur (2013) de Sabine Scho ainsi que son intervention pour le Musée d'histoire naturelle de Berlin, conçu deux ans plus tard en collaboration avec Andreas Töpfer et dont les textes et dessins sur les perceptions sensorielles sont rassemblés dans le magazine The Origin of Senses (2015), explorent la relation entre l'homme et l'animal. Pour ce faire, ils interrogent les lieux urbains du monde entier où l'homme rencontre des animaux, notamment le zoo et le Musée d'Histoire Naturelle. Pourquoi l'homme observe-t-il des animaux capturés, voire morts depuis longtemps‫ ‪? Les habitations que l'homme attribue aux animaux en disent long sur lui-même. Et l'approche scientifique représentée par le Musée d'histoire naturelle permet également de tirer des conclusions sur l'homme et la société. Dans les poèmes, la vision intéressée de l'animal‫ ‪‫défendue par‪‫ ‪les deux institutions est confrontée à des actions et des structures qui relativisent, voire sapent cette attitude. Ainsi, la poésie de Sabine Scho dont la forme se refuse à une appropriation rapide, et les photographies et dessins qui l'accompagnent montrent des instantanés d'une conception de l'homme à de nombreux égards brisée à l'‫ère de la mondialisation‪‫.‪

Le cycle nachts leuchten die schiffe, issu du recueil de poèmes ‫éponyme‪ de Nico Bleutge, souligne une cohérence claire entre le langage lyrique et des modèles biologiques. Le lien étroit avec la structure des plantes ouvre des perspectives élargies sur la métaphore de la nature dans la poésie contemporaine. Les connexions de mots et les relations conceptuelles sont présentées comme une constellation biologique et organique et montrent des parallèles avec la végétation et la croissance des plantes. De plus, le poème se réfère à l'idée du vitalisme de la philosophie de la nature. L'élément végétatif se reflète dans la structure de la langue.‫ ‪Le végétatif détermine non seulement le contenu du poème, mais il se révèle aussi de façon évidente au niveau formel. En examinant la métaphore végétative dominante et l'espace de perception biologique, l'article analyse la connexion des structures organiques et linguistiques qui marque une relation étroite entre la poésie, la philosophie du langage et la végétation en tant que zone partielle de la microbiologie.

Chlebnikov weint (2015), le premier recueil d'Anne Seidel (née en 1988 à Dresde) est plus qu'un carnet de voyages, réels ou imaginaires, dans l'espace et la culture russes, et, plus généralement, slaves. Il fait se télescoper des images du présent de l'Europe orientale postsoviétique et du passé stalinien ou nazi au moyen de constellations figuratives que l'on peut comparer à l'image dialectique de Benjamin. Le recueil est porté par le principe de la différence et de la répétition, du cycle et de la variation, de la présence et de l'absence, dont la dialectique produit ce qu'Anne Seidel, à la suite de Mandelstam, appelle « l'instant de la (re)connaissance ». C'est pourquoi, elle définit le poème comme « forme de l'absence ». A. Seidel se démarque ainsi de tout projet mémoriel qui tend à écraser l'objet évoqué sous le poids du mémorial.

En s'appuyant sur les travaux de Cia Rinne, Valeri Scherstjanoi et Jörg Piringer, cet article étudie trois façons différentes de travailler avec la sonorité, trois approches originales de la poésie sonore et acoustique après 2000. L'étude révèle trois niveaux d'analyse distincts : le niveau lexical, verbal et sémantique, qui présente, à travers le son, une alternance entre les langages et les systèmes numérique et alphabétique, le niveau non verbal, correspondant aux sons produits physiquement, et le niveau du langage et des sonorités émises numériquement. L'article se concentre sur les domaines qui nourrissent ces travaux sur le plan technique et s'interroge sur leur relation à l'histoire de la poésie sonore et à la musique, en particulier la musique électronique qui ouvre de nouvelles possibilités de travail avec la sonorité. Les travaux étudiés se positionnent au vu de la numérisation croissante du son et du langage à l'ère post-numérique en exprimant une matérialité de la sonorité.

La contribution s'intéresse à une évolution récente et assez vaste à l'intérieur de la littérature de voyage, à savoir l'émergence, depuis les années 1990, d'une foisonnante poésie de voyage en langue allemande. Pour aborder ce phénomène, on s'interrogera d'abord sur des questions de théorie littéraire concernant une poésie de l'altérité, sur l'état de la recherche dans un domaine qui n'est pas encore entièrement exploré ainsi que sur les liens historiques entre poésie et littérature de voyage. On examinera ensuite trois œuvres représentatives de cette poésie contemporaine qui, en elles-mêmes et comparées les unes aux autres, sont particulièrement éclairantes quant à l'évolution postmoderne du genre. Il s'agit de textes d'Uwe Kolbe des années 1990 et 2000 se référant à des voyages en Italie et en Bulgarie, d'un recueil de poésie de Jan Wagner de 2010 qui se concentre sur différents espaces en Europe et en Amérique, et d'un recueil de poésie d'Ulrike Almut Sandig de 2011, qui décloisonne l'horizon de sa poésie de voyage de façon systématique et ouvre ainsi une dimension supplémentaire à la poésie de voyage après son passage à la postmodernité. La contribution se termine par une brève conclusion sur la question des conditions littéraires et sociologiques de la poésie (contemporaine) de voyage.

Avec son long poème A.H.A.S.V.E.R., Max Czollek a tenté une exploration linguistique dans laquelle la langue juge celui qui en a abusé –‫ ‪il est question d'un bourreau hanté. Ce texte qui utilise les possibilités qui se présentent à lui et s'inspire d'occasions, qui est donc en ce sens de la poésie occasionnelle, a été présenté par l'auteur dans une discussion avec deux critiques littéraires, à savoir Kristoffer Cornils et moi-même, puis a été mis à disposition de la critique : pour une critique en temps réel où, selon les règles convenues, des déclarations plutôt concises ont conduit à un dialogue abordant les risques et les problèmes du texte et de la critique tout en effectuant le travail habituel de la critique : l'interprétation et l'évaluation. La conception réactive de la plate-forme littéraire fixpoetry de Hambourg a permis cette approche, un média susceptible de prendre en compte ce que Barthes a décrit comme la « naissance du lecteur ». Le résultat est une poésie contemporaine qui, grâce à cet échange, peut (re)devenir présente, et cela toujours de façon différente.

L'article envisage le premier roman de Lutz Seiler, Kruso, comme « roman de poète » : dans la tradition de romans écrits par des poètes, il s'agit d'un roman de formation particulier qui contient d'une part une réflexion sur l'avènement de la voix poétique, d'autre part une poétique fondée sur la primauté de l'ouïe sur les autres sens, poétique mise en pratique également dans cette prose narrative. Cette esthétique pourrait renvoyer à une poésie de la nature à l'écart de la modernité, de la technique, de la société, mais la structure complexe du roman permet de ne pas masquer la dette envers le temps historique.

Cet article se penche sur des formes de poésies radiophoniques contemporaines qui rompent aussi bien avec quelque pathos déclamatoire qu'avec des présentations expérimentales de poésie concrète ou très formalisée. La langue poétique est certes travaillée, mais sa présentation fait également « effet de poésie » en étant portée par une forme de dire à la fois discret et rythmé. Ce dire poétique s'appuie d'autant plus sur un rythme tel que le conçoit Henri Meschonnic, comme langage subjectivant, qu'il use de la théâtralisation radiophonique de manière performative pour transmettre une expérience tout à la fois sensible et pensée. Partant de l'analyse de la pièce de Christian Uetz, Ewig ohne Dauer, l'article dégage les caractéristiques propres au dire poétique. Il les retrouve dans deux autres pièces traitant de contenus sociopolitiques, en particulier du multiculturalisme. Le dire poétique permet alors de faire de la radio un espace autopoïétique de transmission et de pensée par-delà les différences, les conflits et les divers « théâtres d'affects » médiatiques (Byung Chul Han).